Decarísimo

La pieza se inscribe en el período más experimental y riguroso de la carrera de Piazzolla. Durante los años del primer Quinteto Tango Nuevo, el bandoneonista abandonó las texturas sinfónicas de sus orquestas anteriores para concentrarse en un sonido de cámara. Decarísimo refleja esa búsqueda: tensión rítmica sostenida, diálogos contrapuntísticos entre los instrumentos y una arquitectura musical que privilegia la precisión sobre el efecto. En esa etapa, Piazzolla trabajaba con formatos de cinco músicos que exigían a cada intérprete un protagonismo individual imposible en las orquestas grandes.

La escritura se volvió más exigente, más angulosa, menos condescendiente con el oído acostumbrado al tango tradicional. Decarísimo ejemplifica esa dureza: no busca seducir sino convencer a través de la estructura.

La composición muestra las características centrales del estilo maduro de Piazzolla. El bandoneón no funciona como solista acompañado sino como parte de una conversación instrumental donde cada voz tiene autonomía melódica. Los ritmos se apartan del compás tradicional del tango para explorar subdivisiones más complejas, y las armonías incorporan disonancias que el tango clásico evitaba. Esta aproximación coloca a Decarísimo en la línea de otras obras fundamentales del período como Calambre, Buenos Aires Hora Cero o las piezas de La Serie del Ángel.

Todas comparten una densidad compositiva que exige al oyente un trabajo de decodificación mayor que el tango convencional. No se trata de música de fondo sino de música que reclama atención.

La obra forma parte del disco "Piazzolla interpreta a Piazzolla", donde aparece junto a títulos como Adiós Nonino, Tanguísimo y Los poseídos. Esa grabación documenta el sonido del primer Quinteto Tango Nuevo con Jaime Gosis en piano y la participación de músicos que definieron el sonido de la formación. El álbum funciona como una especie de manifiesto estético: Piazzolla eligió las piezas que mejor representaban su búsqueda musical de esos años. La inclusión de Decarísimo en ese repertorio sugiere que el compositor la consideraba una muestra representativa de su trabajo para conjunto reducido.

Decarísimo no alcanzó la popularidad de Libertango o Adiós Nonino, pero ocupa un lugar particular en el catálogo de Piazzolla. Representa la zona más puramente camerística de su producción, aquella donde la experimentación formal se combina con una escritura que no hace concesiones al gusto masivo. La pieza demuestra la capacidad de Piazzolla para mantener la identidad del tango mientras transformaba radicalmente su lenguaje. En Decarísimo no hay melodías fácilmente cantables ni secciones que inviten al baile, pero sí está presente la pulsación rioplatense filtrada a través de una sensibilidad que había incorporado influencias del jazz y la música contemporánea.

Esta tensión entre tradición y ruptura convierte a Decarísimo en un ejemplo perfecto del proyecto estético de Piazzolla: no abandonar el tango sino llevarlo hacia territorios inexplorados, manteniendo sus elementos identificatorios pero sometiéndolos a una lógica compositiva más compleja y menos complaciente.